26/10/2018
"El color y el punto; el conocimiento más elemental de los elementos artísticos nos puede llevar a las aplicaciones más creativas hechas para conmover al ser humano."
La Composición es el término usado para describir la disposición de los elementos visuales en una pintura u otra obra de arte. Es así como los Elementos de Arte y Diseño (línea, forma, color, valor, textura, forma y espacio) se organizan o componen de acuerdo con los Principios de Arte y Diseño: equilibrio, contraste, énfasis, movimiento, patrón, ritmo, unidad / variedad - y otros elementos de la composición, para dar estructura a la pintura y transmitir la intención del artista.
La composición es diferente del tema de una pintura. Cada pintura, ya sea abstracta o representativa, independientemente de la materia, tiene una composición. La buena composición es esencial para el éxito de una pintura. Hecho con éxito, las buenas composiciones atraen al espectador y luego mueven el ojo del espectador a lo largo de toda la pintura para que todo quede reflejado, y finalmente se asiente al tema principal de la pintura.
En su obra "Notas de un pintor", Henri Matisse lo definió de esta manera:
"La composición es el arte de organizar de manera decorativa los diversos elementos al mando del pintor para expresar sus sentimientos".
Es así como diferentes artistas han utilizado los diversos elementos del arte para crear un estilo propio dotado de creatividad y sentimientos.Aquí les presentamos algunos ejemplos.
EL PUNTO: YAYOI KUSAMA
YAYOI KUSAMA, INFINITY MIRRORS
Artista conceptual, escritora, escultura, fotógrafa, precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y el arte feminista.
La vida de Yayoi Kusama comenzó en 1929, en Matsumoto, Japón. Kusama creció como la menor de cuatro hijos en una familia acomodada. Sin embargo, su infancia fue menos que idílica. Sus padres eran el producto de un matrimonio sin amor y arreglado. Su padre, que siempre estuvo ausente, pasó la mayor parte de su tiempo fuera de casa con otras mujeres, dejando a su esposa iracunda maltratar físicamente y atormentar emocionalmente a su hija más pequeña. A menudo enviaba a Kusama a espiar las hazañas sexuales de su padre, lo que le causó un trauma permanente hacía y una aversión profunda por el sexo y el cuerpo masculino.
Biografía corta:
Tras una dura infancia de la que heredó muchos traumas personales, la artista comenzó a sufrir alucinaciones visuales y auditivas por lo que decidió separarse por un tiempo de Japón.
A principios de los sesentas se mudó a Nueva York donde se convirtió en un elemento fijo del avant-garde y expuso junto a otros artistas como Andy Warhol y George Segal. Sin embargo, cuando realmente llamó la atención fue al organizar una serie de happenings en donde pintaba a personas con lunares brillantes.
A lo largo de su vida, tuvo que ser internada en varias ocasiones en instituciones psiquiátricas por episodios de descompensación por su trastorno obsesivo. La última vez que esto sucedió fue voluntariamente y decidió quedarse ahí para el resto de su vida.
Además se sus pinturas abstractas y surrealistas, Yayoi Kusama ha escrito novelas, historias cortas, y poesía surrealista.
Su obra ha sido subastada a precios muy altos y en 2008 vendió “Redes Infinitas” en blanco de 1959 en 5.1 millones de USD. Hoy en día su trabajo se encuentra en las colecciones de algunos de los museos más importantes del mundo como el Museo de Arte Moderno Y Contemporáneo de Nueva York, el Tate Modern de Londres, el Museo Stedelijk de Ámsterdam, Centre Pompidou en París y el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokyo.
La vida de Kusama es un testimonio conmovedor del poder curativo del arte, así como un estudio sobre la resiliencia humana.
Asqueada por una enfermedad mental desde niña y abusada por una madre insensible, la joven artista perseveró utilizando sus alucinaciones y sus obsesiones personales como alimento para una producción artística prolífica en diversas disciplinas. Esto ha inspirado un compromiso de por vida con la creatividad a toda costa, a pesar del haber nacido en una cultura japonesa tradicional, y de su carrera artística en una ciudad como Nueva York, dominada por los hombres. Hoy en día, Kusama reina como una de las artistas femeninas contemporáneas más singulares y famosas, que opera desde su hogar autoimpuesto en un hospital psiquiátrico.
Cuando Kusama comenzó a ver alucinaciones de niña, su manera de lidiar con los fenómenos extraños era pintar lo que ella vio.
Ella dice que el arte se convirtió en su manera de expresar su enfermedad mental.
Esto se nota sobre todo en sus pinturas de Infinity Net basadas en patrones repetitivos y en sus instalaciones en las que crea ambientes elaborados llenos de lunares o puntos de luz diminutos. Su familiaridad con la lucha por su vida y su compasión por otros involucrados en causas contra la injusticia llevó a Kusama a asociarse con muchos movimientos subculturales de su época, como la cultura hippie de los años sesenta y el movimiento feminista.
Para Kusama, el arte se convirtió en un mecanismo esencial de supervivencia.
Era su única herramienta para dar sentido a un mundo en el que vivía en la periferia de la experiencia normativa, y como resultado se convirtió en la misma cosa que le permitió asimilarse con éxito en la sociedad.
LA FORMA: YASUMASA MORIMURA.
Yasumasa Morimura: Ego Obscura
Un maestro en el noble arte de la apropiación.
Yasumasa Morimura, nacido en Osaka, Japón, en 1951; es un artista de apropiación. Obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en 1978 de la Universidad de las Artes de Kioto y desde 1985 ha estado haciendo exposiciones individuales en escenarios internacionales. En su arte, Morimura utiliza los retratos de artistas antiguos,
desde Edouard Manet hasta Rembrandt y Cindy Sherman, él une su propio cuerpo y rostro a estas imágenes.
En 1985, también mostró una gran imagen en color de Van Gogh, con su propio cuerpo y cara insertados en ella. A partir de ese momento, el autorretrato se convirtió en el tema principal de las obras de Morimura. Sus numerosas exposiciones se han exhibido en varios museos de varios países, como Francia, Chicago, Japón, California y Australia.
Morimura se convierte en temas familiares con el uso de disfraces, accesorios, manipulación digital y maquillaje. Sus bras maestras abarcan obras inspiradas en pinturas influyentes de artistas como Diego Velásquez y Frida Kahlo, y en fuentes pictográficas de los medios de comunicación y hechos icónicos de la historia de la sociedad moderna.
El trabajo de Morimura es específicamente efectivo y contundente como resultado de su capacidad para simular y rendir homenaje a sus materiales y temas de referencia. En 1996, Morimura fue nominado para el Premio Hugo Boss. Los museos públicos que mantienen el trabajo de Morimura incluyen el Museo de Arte de Honolulu en Hawai, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte Moderno de San Francisco. en California, el Whitney Museum of American Art en Nueva York y el Museum of Contemporary Art en Los Angeles, CA.
VOLUMEN TRIDIMENSIONAL: RON MUECK.
Ron Mueck, Trailer.
Iniciando como titiritero y creador de marionetas para programas de televisión para niños y todo tipo de películas, el escultor Ron Mueck finalmente se convirtió en un autor único de bellas artes con sus fascinantes esculturas hiperrealistas, las cuales lo hicieron famoso desde el año de 1996.
Utiliza resina, fibra de vidrio, silicona y otros materiales diversos para construir piezas enfatizadas por las similitudes de los seres humanos. Ron Mueck juega con la escala de sus esculturas, a menudo haciendo cosas mucho más grandes o mucho más pequeñas de lo que deberían ser en realidad. Mueck nos explica:
"Nunca hice figuras de tamaño real porque nunca me parecieron interesantes. Nos encontramos con personas de tamaño real todos los días. Alterar la escala te hace notar de una manera que no harías con algo que es simplemente normal."
Nacido en 1958 en Melbourne, Australia; Ron Mueck es un artista visual; al ser hijo de fabricantes de juguetes, creció haciendo todo tipo de criaturas, muñecas y atuendos en su tiempo libre, experimentando con diferentes materiales y técnicas. Siendo todavía joven, Mueck comenzó su carrera profesional como titiritero de películas y espectáculos para niños como The Labyrinth y The Storyteller. A medida que su desarrollo profesional continuaba evolucionando, Ron finalmente comenzó a confeccionar accesorios fotorrealistas y animatrónicos para la industria de la publicidad privada. Después de trabajar en cine y televisión en los Estados Unidos y Londres, Mueck cambió su enfoque a las bellas artes a mediados de los años noventa.
Para 1996, estaba completamente comprometido con las bellas artes, abandonando completamente todos los empleos comerciales que había tenid en el pasado.
En 1999, fue nombrado Artista Asociado en la National Gallery de Londres. Ha tenido numerosas exposiciones en galerías y museos, incluido el Centro Ian Potter: NGV Australia y en la Galería Nacional de Australia. Varias de sus obras se han vendido en diversas subastas por grandes cantidades de dinero.
Durante los primeros períodos de su vida y arte, a Ron Mueck se le enseñó a usar todas las herramientas a su disposición para lograr sus objetivos artísticos.
Mueck quiere que sus espectadores vean todas las realidades, las luchas genuinas y los problemas reales en su trabajo, no quiere hacer interpretaciones falsas que oculten la verdad, barriéndola bajo la alfombra de la deshonestidad.
Mueck a menudo tiene como objetivo presentar sus personajes en momentos clave de sus vidas imaginadas, cubriéndolos con momentos misteriosos como el nacimiento y la muerte. Ron recurre a sus propios recuerdos, sueños y experiencias cotidianas para retratar a sus sujetos con extraordinaria compasión, inyectando un poco de su propia personalidad en cada pieza que completa. Cabe señalar que Ron suele pasar más de un año concibiendo y haciendo cada figura en su taller, lo que permite la máxima cantidad de tiempo para encontrar las soluciones perfectas tanto en el aspecto emocional como en el técnico.
Al hacer que sus esculturas sean colosales en escala, Ron Mueck pretende hacer que su búsqueda de un equilibrio perfecto entre realismo y surrealismo sea un poco más manejable.
La verdad es que el mayor activo del arsenal creativo de Ron no es solo su hiperrealismo, sino también su capacidad para equilibrar el realismo con los aspectos irreales de sus obras, cómo puede ajustar las cantidades perfectas de realismo y surrealismo sin comprometer ninguno de los dos.
VOLUMEN BIDIMENSIONAL: CLAUDIO BRAVO.
Claudio Bravo (1936 - 2011)
Fue uno de los pintores chilenos con más prestigio en todo el mundo, su realismo (muy próximo al hiperrealismo) que salió de sus pinceles, le hizo ser un valor alto en el arte dentro y fuera de su país.
Nació el 8 de Noviembre de 1936, en Valparaíso, Chile.
En 1954, con tan sólo 17 años de edad, realizó su primera exposición individual en el Salón Trece en Santiago.
En la década de 1960, se instaló en Madrid, donde se dedicó de forma exhaustiva al retrato y a conocer y estudiar la obra de los grandes maestros del Museo del Prado le influenciaron poderosamente Velázquez y Zurbarán en algunas de sus obras.
Aunque él mismo se definía como superrealista, ya que a diferencia de los primeros, no empleaba la fotografía como modelo.
En 1963 expuso por primera vez en Madrid logrando un enorme éxito.
En 1968 recibió una invitación de Ferdinand Marcos, el entonces presidente de Filipinas, para pintarlos a él y a su esposa, Imelda Marcos, así como a miembros de la alta sociedad filipina; finalmente no retrató a los Marcos, ya que nunca pintó a partir de fotografías, según manifestaba: “hay que capturar la esencia del objeto a pintar, y eso sólo se puede realizar teniendo frente al modelo”.
En 1970 expuso en la Staempfli Gallery de Nueva York.
En 1972 se trasladó a Tánger, en Marruecos, donde residiría el resto de su vida, ciudad en la que compró una mansión de tres pisos del siglo XIX, derrumbó muchas de las paredes y pintó de color blanco las restantes con el fin potenciar la luz mediterránea, hecho que se deja ver en sus cuadros.
En 1981 expuso por primera vez en la Marlborough Gallery, donde siguió exhibiendo asiduamente.
En 2000 donó al Museo del Prado diecinueve esculturas greco-romanas, la más antigua de las cuales fechada en el siglo VI a.d.C. por lo que, y en reconocimiento, tras inaugurar la muestra de la donación, le fue impuesta la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio. Murió en Marruecos, cuando era conducido al hospital, el 4 de junio de 2011.
Dejó incumplidos varios e importantes proyectos; en cuanto al destino de su patrimonio, entre ellos hacer un museo en Chile con su colección privada y objetos personales.
Entre otras poseía esculturas romanas, obras de Andy Warhol y Francis Bacon.
TEXTURA: JACKSON POLLOCK.
How to paint like Jackson Pollock
“Mi pintura no viene del caballete. Prefiero pegar el lienzo sin estirar a la pared dura o al suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo estoy más a gusto. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde los cuatro lados y literalmente estar en la pintura ".
Jackson Pollock (28 de enero de 1912 - 11 de agosto de 1956), fue un influyente pintor estadounidense y una figura importante en el movimiento expresionista abstracto. Durante su vida, Pollock gozó de considerable fama y notoriedad. Fue considerado como un artista solitario en su mayoría. Tenía una personalidad volátil y luchó contra el alcoholismo durante la mayor parte de su vida. En 1945, se casó con la artista Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado.
Murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico causa de conducir ebrio. En diciembre de 1956, se le ofreció una exposición conmemorativa en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York, y una exposición más amplia y exhaustiva en 1967. Más recientemente, en 1998 y 1999, su trabajo fue honrado con grandes Exposiciones retrospectivas a escala en el MoMA y en The Tate en Londres.
Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping;
en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena o fragmentos de vidrio.
Gracias al apoyo de algunos críticos como Harold Rosenberg, su nombre, asociado a las obras realizadas con la técnica del dripping, se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting,
Su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo y gracias a los grandes lienzos abstractos de colores vivos, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto.
“Cuando estoy en mi pintura, no estoy consciente de lo que estoy haciendo. Solo después de una especie de período de "familiarización" veo lo que he hecho. No tengo miedo de hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarlo pasar. Solo cuando pierdo el contacto con la pintura, el resultado es un desastre. De lo contrario, existe una armonía pura, un fácil dar y recibir, y la pintura sale bien ".
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